1 ) 相关影讯
一句话评论
With the right song and dance, you can get away with murder.
In a city where everyone loves a legend, there's only room for one.
It's Just A Noisy Hall Where There's A Nightly Brawl...and All That Jazz
The one movie that has it all.
It began with a hit...
If You Can't Be Famous, Be Infamous.
幕后制作
要充分欣赏这部2002年度的第75届奥斯卡最佳影片,必须细细品味其中的嘲讽精神。影片用貌似赞美的口吻,把上个世纪20年代以芝加哥为代表的浮躁心态彻彻底底挖苦了一番,而里面的内容对于80年后的今日中国居然不乏适用之处。片中有一句经典歌词,叫做“杀人可以是一门艺术”,该片的妙趣可以归纳为“恬不知耻可以是一门艺术”。马歇尔承传了鲍伯·福西的风格,并大胆将整部影片处理成罗西的幻觉。他充分发挥出演员的歌舞潜能,泽塔-琼斯获奥斯卡最佳女配角,其他多名演员获提名;他还赋予“监狱探戈”、“操纵媒体”等片断高超的视觉创意。
花絮
·在影片中,两位女主角为了争得名声而明争暗斗;而电影的现实中的女主角之争,也是异常激烈。麦当娜、戈迪·霍恩、妮可·基德曼、朱丽娅·罗伯茨等著名演员都有过和“芝加哥”的“绯闻”。
·在男演员方面,曾经主演过《油脂》、《低俗小说》、《变脸》的约翰·特拉沃尔塔(John Travolta)一度收到制片方的邀请,最后他却以不愿意在20年后投拍一部类型相同的影片拒绝出任男主角。
·另外一个谣传,则来自于本片的CD大碟。曾有传说珍妮·杰克逊曾有意献歌一曲,到最后却不了了之了。
·成为米拉麦克斯电影公司票房最高的电影,国内票房就到达了一亿七千一百万美元。
·该片音乐剧从1975年4月12日开始,在美国纽约的百老汇演出,直到1977年8月27日停止,总共演出936场(包括24场预演)。
·导演希望凯瑟林·泽塔-琼斯在影片中展现自己真实的长发,但她坚持要换成短发。在人物杂志采访时,她的解释是不想让长发垂在她的脸上,这样就会成为大家怀疑她是否真的在里面跳舞的一个把柄。
·这是约翰·特拉沃尔塔拒绝然后理查德·基尔接下演出的第四部电影,之前还有美国舞男 American Gigolo (1980),天堂里的日子 Days of Heaven (1978),军官与绅士 An Officer and a Gentleman (1982)。
·理查德·基尔花了三个月的时间上踢踏舞课。他的踢踏舞场景是在半天时间内拍摄完毕的。
·在监狱场景中,胡雅克开始说的是匈牙利语,但最后的一句话说的是俄语,她说的意思是“救命,救我,好吗?”
穿帮镜头
·连贯性:荣斯看着弗里德的钱包,在里面的那张弗里德孩子们的照片。
·时代错误:在法庭的美国国旗上有50颗星(应该是48颗)。
·荣斯·哈特唱歌的场景中,就在她唱着“谁说凶手不是个艺术家”,荣斯走过一排镜子。拍摄途中,就在荣斯的右边可以看到摄影组工作人员的倒影。
·连贯性:当荣斯拒绝手下维尔玛的钱时,维尔玛把钱放在她的裙子下面。在每一个镜头中,钱的位置都在变化。
·在表演“单人房间探戈”的时候,可以在安妮的胸前黑色的装饰上面看到录音器。
·事实错误:在电影好几次提到哈里森是区律师助理Assistant District Attorney。实际上在伊利诺斯州,并没有区律师District Attorneys,他们被称之为州律师State's Attorneys。
·连贯性:在唱“爱是我关心的全部”时,女犯人脱下她们的囚服,在一个镜头中,她们戴上头巾,在接下来的镜头中,她们再次把头巾戴上。
·连贯性:荣斯和比利在讨论她该在法庭上穿什么衣服的时候,在她的右边的头发上,有一段很长的马尾辫时有时无。
·在最后跳舞的场景中,可以看到有人在维尔玛和荣斯身后通过麦克风说话,指挥着他们。然而,在介绍他们第二段表演时,你可以听到同样的声音,但冲着麦克风说话的这个人已经转身在看音乐师,麦克风离他的嘴巴很远。
2 ) 《芝加哥》:华丽锦袍下的精致匕首
《芝加哥》:华丽锦袍下的精致匕首
谢宗玉
75届奥斯卡,《钢琴师》和《时时刻刻》虽然分别捧走了最佳男主角和最佳女主角奖,《芝加哥》却是最大的赢家,它囊括了包括最佳影片、最佳女配角、最佳服饰、最佳音响、最佳美术、最佳剪辑等六项大奖。记得七十届奥斯卡,《泰坦尼克号》也杂七杂八获了十把个奖,但那些奖我以为都是最佳影片奖的搭头。是那个场面宏大、催人泣下的爱情故事把所有人都震撼了,评委才会让它“一人得道,鸡犬升天”。就像一群流浪诗人受邀到金碧辉煌的皇宫作客,最后就连皇宫的厕所也要吟诗相赠。《芝加哥》不同,《芝加哥》所获得的任何一任奖项,都名至实归,没有依靠别的奖项“水涨船高”。
电影是一门综合艺术,几乎包涵了其他所有艺术门类,“色香味俱全”既是它的基本要求,也是它的最高要求。可自有电影以来,能够做到这点的,几乎没有。就连我推崇备至的《狗镇》,其实也不过是电影运动会上的单项冠军,它让我顶礼膜拜的,只是它风暴般无坚不摧的犀利思想。《芝加哥》则完全称得上是电影运动会上的全能冠军。它应该是百年来电影这门艺术最具代表性的杰品。
在这部电影中,各种艺术门类都发挥得异常饱满。我们既可以研究它珠光宝气的华丽服饰,也可以探讨它虚实相杂的蒙太奇表现手法;既可以欣赏它烘云托月的光影色调,也可以迷醉它蛊惑人心的各类舞蹈;既可以推敲它恬不知耻的生存哲学,也可以解析它直抵灵魂的艺术磁场效应。
而最让我惊叹不已的,则是它音乐的魅惑力。如果不是音乐门外汉,我会专门把它的音乐作为重点研究的对象。更具体地说,就是剖析它如何利用精妙绝仑的乐曲,把烂俗不堪的歌词包装成不容辨驳的人生哲理。这些乐曲与历代政党的所谓革命歌曲才真叫有异曲同工之妙。就像布道的巫师还要顺便搭卖一些水货一样,是曲子首先俘获了人们的灵魂,然后人们才会不由自主把那些水货似的歌词当真,以为某人就是太阳,比如希特勒;以为某党就是母亲,比如纳粹党。
电影中有句台词,叫“杀人也可以是一种艺术。”看完电影,我几乎要疑心“凡艺术都是杀人。”当然不是白刀子进、红刀子出那么直接,而是一点一点,浸漶我们的心灵。记得小时候,教科书曾说过,艺术就得表现生活中的真善美。但《芝加哥》撅起它的嘲讽小嘴不以为然。《芝加哥》的艺术全是为“假恶丑”服务的。换句话说,就是把生活中的“假恶丑”全部鬼斧神工地包装成“真善美”了。那份颠倒黑白的功力,实在是让人目瞪口呆。
很多人以为《芝加哥》意在反讽。起初我也是这么想的,但看到后来,我不这么认为了。由于它的艺术阵营实在是太豪华了,以致那把反讽的匕首裹在艺术华美的艳袍里,根本显不出图穷匕见的杀伤力来。这时,它所批判的东西不知不觉就转化成了广大观众处世的金科玉律。导演后悔了吗?不!眉飞色舞的剧情处处都在暗示,一切简直就是导演顺水推舟的结果。这让我不由想起了国内那些写官场的小说家,起初他们也许意在反讽,但由于他们对官场实在太熟悉,写出来的东西最后竟被读者奉作为官法宝。这时他们再回头一想,发现这其实就是竞争社会中最真实的“丛林法则”,因此也就一边乐陶陶数着甜美的版税,一边让书商把它炒作成官场入门秘籍。
在《犯罪道德学》一文中,我曾表露过这样一个观点:形而上的道德其实是一种非常世俗的手段。它存在的目的只是为了给人类谋取“集体利益的最大化”。为了让人类活得更好、更团结、更和谐、更具竞争力的一种自制规则。它跟世俗的“对错是非”无关,跟提升人类的心灵和精神境界也无关系。它身上附属的“文明性”只是为了帮助人类在地球物种竞争时取得绝对的胜利。
推而广之,人类文明(当然包括各种艺术)最初的目的也并不是为了让人类的灵魂高于别的物种,而是为了粉饰“丛林法则”,更好地奴役地球上的其它物种。在任何时候,人类的灵魂其实都没有高出过地球上别的物种。从人类目前毫无节制地索取生存资源来看,受所谓文明和艺术熏陶多年的人类灵魂,在所有物种中,其实最丑陋的。
所以,与其用那把精美匕首刺向他人肮脏的灵魂,不如留给自己当作谋夺世俗福利的凶器?以艳俗登场的《芝加哥》最后居然让我推导出了这样一个意味深长的结论,这虽然是一件悲哀的事情,但它更具思辨性的内涵已不是肤浅的反讽所能概括的。
3 ) 浮华与娱乐的转身,金钱与欲望的躁动
前几天刚看了 Chicago。好吧,我承认我是 Old Fashion,不过有些东西,我宁可去偶遇,所以当在同事的电脑中翻到 Chicago 的时候,自然是不会再错过了。
将黑手伸向 Broadway 的经典舞台剧,改变后将之搬上大营幕,这是 Hollywood 那些精明的投资商和导演的最新伎俩吧?虽然鲜有成功,但瘦死的骆驼比马大,怎么招都能博得影评人的一点怜悯。但 Chicago,这部曾获得六项奥斯卡奖的歌舞大片,以4500万美元的成本换来美国本土1.71亿、全球3.06亿的票房,的确是一个商业和艺术的双丰收,但是我宁可称其为社会现实讽刺剧,而不是歌舞剧。它并不是一出传统意义上歌颂真善美或者爱情至上的歌舞剧,甚至在歌舞的表现以及侧重方面,Chicago 一剧表现得并不出色;而在揭露社会现实和嘲讽这一意义上,它比一般的歌舞大片有过之而无不及,相信美国电影工会的评委们也正是考虑到这一点吧?
Chicago 所提出的“大娱乐家精神”贯穿本剧始末,顺着这个概念,剧情被惯连,人物被充实,同样的,由这个概念,三位主人公的形象到最后都被拆解得支离破碎。什么是Chicago的“大娱乐精神”?它表现在Richard Gere 饰演的芝城大律师Billy Flynn 的道貌岸然、一手遮天、颠倒黑白,它表现在Catherine Zeta-Jones 饰演的舞女Velma Kelly 的血刃亲人,它表现在Renee Zellweger 饰演的Roxie 的爱慕虚荣。而导演Rob Marshall 给出三位主人公一个看似完满乃至荒诞的结局,是出于商业需要,还是隐含了对现实的嘲讽?相信各位看管都各有说法罢。本文也就不过多去争辩了。
撇去产子后体型尚未完全恢复不谈,Catherine Zeta-Jones 的歌舞技巧实在让我震惊!以至于到了篇为都一直认为它是女一号:每一个舞蹈动作相当到位,一颦一笑中的风骚,吸烟与拍照时的风情万种,当然还有厚实、具有磁性的嗓音。最让我记忆深刻的几个场景:当Zellweger 被当作Gere 大律师的头号客户时,Zeta-Jones 眼神中那种黯然的失意;当为了讨好Zellweger 的时候,像小丑一般的说服她与自己搭档组合(剧种Zeta-Jones并不需要,它只需要利用Zellweger 重振她往日的声明);最后出狱时再次诚心邀请Zellweger 与她组合,并略微尴尬的掩饰自己当前破落的窘境。三个场景,三种心态,三个表情,却都将角色本身的自信和高傲分毫不差的表现出来,可见 Zeta-Jones 早将这个舞女的角色揣摩得入木三分。
Renee Zellweger 的角色不如几年后在 Cold Mountain 中那样突破,不过表现依然可圈可点,虽然 Catherine Zeta-Jones 出场在先也并未让她逊色多少。Zellweger 所饰演的已婚妇女,本来应该安于家事,但却对在闪亮的聚光灯下彻底迷失自我。她为了成为一名歌手主动献身却被欺骗,恍然大悟气愤交加她居然举枪就开。而在监狱中她从开始的害怕、憔悴,经过Richard Gere 所饰演律师的“炒作”“包装”骤然走红,从一名杀人犯“洗心革面”的变成了一名受害者,又在即将被媒体抛弃、全面失宠的情况下“急中生智”“怀孕晕倒”,再次引爆媒体的追捧狂潮。这便是暗讽光怪陆离的娱乐圈内各类“炒作”“曝光”的娱乐事件。不过在最终被判无罪的霎那,Zellweger 从飘然的天堂落回现实的地狱。粉丝的来信、鲜花啊!重获新生的她似乎已经开始回忆在监狱里的美好时光,这又是一个绝妙的讽刺。Zellweger 的表演,时而性感可人,时而楚楚可怜,将人物塑造得有血有肉,让人爱恨交加;而她高音区极剧爆发力的嗓音和略微沙哑的歌喉,让人觉得她不出张爵士专辑简直是浪费了这把好嗓子。
两女一男一台戏,不过这个男主角选得真是败笔。他可以是John Travolta,也可以是 Antonio Banderas,当然 Ewan McGregor 也是可以考虑的…… 但Richard Ger?为什么偏偏是Richard Gere?从他一出场就与整个歌舞剧显得格格不入。没人质疑Richard Gere 的形象,或是演技,要知道这种伪善、道貌岸然的角色简直是为他量身定做,而到了歌舞环节…… 你就知道他的嗓音和肢体协调能力多么贫乏了。不过 Chicago 一剧的小高潮便是从Richard Gere 和Renee Zellweger 二人的木偶剧开始,二人滑稽夸张的面部表情尤其值得再三玩味。
同样还需要提及的两个配角和两个舞剧戏中戏,一个是饰演囚犯长Mrs. Morton的Queen Latifah,以及在极其经典的Cell Block Tango 中的6号女囚的 Mya。身为 Hip-hop/Rap 界的大姐级人物的Queen Latifah,本身就有多年电影和话剧舞台的演艺经验,而囚犯长这样有一定“分量”的角色找她自然是没错的。而在Queen 上场的那段When You're Good to Mama 中,急促厚实的低音鼓也同样突出了她的“重量级”,当然,这样一首风骚十足的歌曲,恶俗,倒也相当直截了当——When you’re good to Mama, Mama’s good to you.
6位女囚所表演的Cell Block Tango,创意好、剪辑好、歌舞编排好、舞者实力更好,除了女配角Zeta-Jones 之外,各个都是专业出身。个人喜欢第一个出场的Susan Misner、黑人女囚Deidre Goodwin 和俄罗斯舞者Ekaterina Chtchelkanova。当然还有那碟超大配菜:6号女囚,美国R&B女歌手 Mya ,但实话实说,这个角色丝毫没有给她任何表现机会。
好像很多人、很多影评人、很多职业影评人都将 Chicago 与 Moulin Rouge 相提并论作比较,甚至说 Chicago 是因为 Moulin Rouge 的陡然走红才草草赶制出来的,这点纯属无稽之谈。事实上,早在 1996 年,Chicago 就开始了女主角的甄选工作,而当时最被看好的 Madonna 在 Chicago 和 Evita 之间选择了后者,详情在任何一本Madonna传记中都有记载。而随着时间的推移,剧本需要删改、演员没有合适人选、投资商和电影公司也渐渐失去信心,最后拍摄计划不得已搁浅,开机遥遥无期。直到Moulin Rouge 的大获成功,让 Miramax 再次有打捞一笔的信心,才重整人马投入拍摄,终于带给你这出“大娱乐剧”Chicago。
而同样作为歌舞剧,相对于 Chicago 针砭时弊的严肃主题,Moulin Rouge 的题材就显得中规中矩:浪漫爱情悲剧;同样的歌舞情节在两剧中所担当的任务都不同:Chicago 中,歌舞情节是对剧情的权势、结构和说明,而 Moulin Rouge 中,歌舞情节从属于剧情,无法将之抽离开来。做一个不太恰当的比方:Chicago 一剧若是《红楼梦》,Moulin Rouge 就是《罗密欧与朱丽叶》,中外经典,相障得益,各有所长。
如果你看过 Chicago,不如趁现在温习一遍。
如果你还没看过,不妨找来一看,这样的影剧,偶遇,太难。
附录:推荐一篇针对本剧歌舞片段的评论 周黎明:《芝加哥》歌词赏析 http://www.mov8.com/dvd/freetalk_show.asp?id=8449
4 ) 浮华之后的黑色笑话
《芝加哥》不乏浓墨重彩,歌舞升腾。但是在一组组幽默的、搞笑的镜头后,依然发射出冷峻、犀利的锋芒。
影片中的情节设置和人物设置都赋予幽默和搞笑,以诙谐、游戏的态度反衬严肃的主题,以喜剧的形式表现悲剧的内容,让观众在轻松的剧情里思考着不轻松的主题。
首先,片中的剧情始终围绕着律师比利如何想方设法帮助罗克茜成为舞台上的明星。舞台是一个表演的空间,不同于真实的世界。舞台上表演的成功离不开台下的精心策划、反复演练。这就使得剧本中包装明星的一切造假活动得以顺理成章地展开。比利为了让罗克茜成为明星,首先是对罗克茜的身世、经历、作案动机重新编造,对她进行形象包装,然后他们不分昼夜地进行演练,直到罗克茜能把编造的台词背得滚瓜烂熟,脱口而出。接着,比利进行了精心的策划:一是罗克茜答记者问那场戏,借助新闻效应,罗克茜一夜成名,由一个杀人凶手摇身一变,成为一个受人同情的无辜的弱者;一是法庭上比利为罗克茜辩护的那场戏,罗克茜无罪释放。同样是借助新闻效应,罗克茜与凯莉成为舞台巨星,她们那精彩的双人舞赢得了观众雷鸣般的掌声。但给观众印象最深的却是台下比利那灿烂的微笑``````
舞台后的暗箱操作与舞台上的完美演出、罗克茜的谎话连篇与老百姓的信以为真、比利的惟利是图与法庭上的道貌岸然都构成了一组组强烈的对比,具有很强的讽刺性。其次,影片中的人物都表现出扭曲变形。人丧失了智性情感,不再高雅伟岸,温柔美丽,而变得猥琐渺小,滑稽可笑。从律师到“无辜的受害者”,从新闻记者到法庭审判官,从明星到追星族都成了揶揄调笑的对象。即使是忠厚善良的老实人汤马斯———罗克茜的丈夫也不例外。忠实的汤马斯,为了不让妻子入狱,强忍戴绿帽的耻辱,主动承认自己是杀人犯;为了给比利付5000 元律师费,汤马斯东拼西凑,倾家荡产也在所不惜。当听到妻子编造的怀孕日期时,老实人终于爆发出对妻子不忠的愤怒,但他并没有放弃对妻子的救赎。法庭上,众记者烟消云散后,只有他在那儿耐心地等待着妻子的归来。这反而让罗克茜觉得奇怪:“你要干什么?”“我想带你回家———你想要的,还有孩子。”“这不可能!”罗克茜尖叫起来“, 天啊! 你真的相信? 我没有孩子。”说完,罗克茜再也不关心丈夫的存在,只顾看着窗外,为自己不再受关注而百思不得其解。“没有?”可怜的汤马斯好象掉进了一团雾水里,独自一人悻悻地转身而去。
在影片中,诚实善良反而变得可笑,痛苦和不幸成了开玩笑的对象,人类的处境变得冷酷而荒谬。人们不再天真,不再有理想,不再有崇高感和悲剧感。面对自身这一现实处境,人们甚至没有愤怒,只有麻木,就象汤马斯一样。正如哈桑在《后现代转折》中所说:“后现代不再狂躁,他在冷漠的世界中,展示了后现代艺术家眼中那恐怖和卑琐的世界。”但在这种表面平静中,却蕴藏着内里的冷嘲、戏谑与解构。
“戏笑释一切”、“一切皆戏笑”是该片的特点,也是后现代电影共同的基调。但该片在镜头语言的使用上,有时过于强调后现代电影的拼贴意识———对故事的叙述采用无序的拼贴、画面与画面之间使用大量的跳接,这样有时会给观众带来视觉接受上的断裂,造成观众审美接受上的间断性、跳跃性。
尽管这样《, 芝加哥》依然是一部上乘之作,它的成功给我们带来很多的启示。首先,该片包含了成功的商业片所具备的多种元素。如该片具有很强的视觉冲击力,片中大量的歌舞表演都具有很强的时代性、观赏性。在那充满着动感诱惑与活力四射的歌舞表演中洋溢者浓浓的异域激情和个性张力。该片的好莱坞色彩也十分浓厚,造型、剪辑、声音的优质要求使得这部作品是一部符合好的工业标准的作品。此外,该片情节曲折,凶手与美女、嫉妒与阴谋的情节设置使得片中剧情环环相扣、层层深入。其次,该片还具有很强的现实批判性、艺术性。因为一部影片仅仅具有商业性还是不够的,有艺术性的电影才会有长久的生命力。《芝加哥》结构紧凑,人物个性鲜明,让观众在色香味俱佳的视觉拼盘中感悟那深层的社会内涵和强烈的批判意识。马赛尔·马尔丹曾说过:电影
是一种企业,也是一门艺术;是一种语言,也是一种存在。影片的商业性和艺术性并不矛盾。《芝加哥》就在电影的商业性与艺术性之间找到了一个很好的平衡点。
5 ) 《芝加哥》一场华丽的讽刺剧
电影《芝加哥》结合商业与艺术,震撼与思考于一身,不愧为奥斯卡经典之一。
华丽是视听,讽刺是寓意。华丽为表,讽刺为里,二者融合交织,奏成一曲华彩乐章。
讽刺与华丽,是本片在我脑海里留下的最深刻的印象。
“生活是一袭华美的袍,上面爬满了虱子。”
强大的歌舞,刺激的情节,美艳的女主,幽默的台词。但隐藏在这层华丽外衣背后的另一面,是社会与时代,人性与环境,法律与道德,智慧与冷静。不得不感叹这层外衣实在太过华丽,华丽到让我惊异,赞叹,着迷,直到恶心。像是张爱玲的话,生活是一袭华美的袍,而在它细密的绣花纹路里爬满了可恶而顽固的虱子。而这些虱子就是我们要去发现的丑陋的真相,亦或者并无丑陋可言,因为我们本身也可能是这华丽的大袍上默默爬行的无数虱子中的一只。当你发现你和你周围的一切都是如此,你就宁可麻木并忘却了,而万一如果有一天默默爬行的你忽然抬起头来看见了这巨大而腐朽的袍,看清了自身和周围的丑陋,那就是最大的讽刺,是嘲弄。深刻而露骨,戳破了浮华而乖张的外衣,如一把探出的血刃。
开片一曲火热狂放的“还有那爵士声”把我们带到1929年的美国芝加哥。
而当时的社会是这样的:“上世纪20年代美国实行禁酒,芝加哥以黑帮当道闻名,在美国通俗文化中的地位相当于30年代的中国上海。当时黑社会主要以偷运酒为主。那是1929年美国股市崩溃、大萧条来临之前,整个城市弥漫着花天酒地、醉生梦死的气氛。
如今爵士乐是高雅的象征,全世界的唱片公司都把它归在古典音乐类,但在爵士乐全盛的1920年代,它属于反叛音乐,如同50年代的猫王、60年代的披头四,70-80年代大陆的邓丽君,是“教人学坏”的音乐,比靡靡之音还罪加三等。”
混乱而罪恶的社会,反叛而嚣张的爵士,是这部电影的背景和主基调。
梦想成为爵士乐歌星的罗克西诱惑了一个小经纪人,原本期待着走上星途时却发现对方只是把她当做玩物而无意帮她,于是愤怒地开枪干掉了他。入狱后她认识了专长为犯谋杀罪妇女辩护的律师比利并请他帮忙,然而同时过气的舞女维尔玛也需要依靠这个律师的帮助重振江河,两个女人展开一场疯狂的斗争。一个疯狂的故事。
在这个疯狂的故事里,有一群疯狂的人物,每一个都是活宝,都值得玩味。他们无私地搞笑,他们矜持地犯贱,表现出无比强大而鲜活的生命力,丝毫不输给爵士乐曲的跳跃激昂。看着看着你就被他们吸引住了,放松地欣赏这一场闹剧,没心没肺地笑着,关注着眼花缭乱的舞步而不是他们在做些什么,以至于最后感觉那些浮华虚伪邪恶残忍似乎都变得轻佻无害俏皮可爱起来,直到情节越来越离谱脱节,影片戛然而止时才开始感觉到这种恐怖的讽刺。这是电影的魅力所在,荒诞戏谑的拍摄手法,完全隐身的道德观。只把一出混乱的闹剧展现给观众,让他们自己去体会和感触。就像一个不怀好意但又技艺高超的钢琴家,然后把一部深刻悲怆的交响乐弹成一段欢乐怪异的小调。
罗克西和维尔玛都是彻头彻尾的坏女人,追寻野心和欲望。出卖自己出卖亲人出卖肉体甚至灵魂。争夺着公众的关注与崇拜,互相羡慕嫉妒恨,算计利用打击报复,最后都倒霉了竟然又能因为利益一起合作。完全坏到清爽坏到纯粹坏到唯美坏到华丽了,这是一种境界。
嬷嬷在看守监狱时接受巨额贿赂并为死刑犯打开方便之门。她在聚光灯与无数崇拜目光的照耀下,慵懒地扭着肥肥的臀部,夸张地摇着粉红的羽毛扇子,唱着“你问问栅栏里的小鸡,他们会告诉你,我才是这里的老母鸡。我爱护每只鸡”那段是全片最爆笑的桥段之一。
老狐狸律师把女犯们包装打造成明星偶像,让他们在万众同情爱戴中无罪释放。站在由吐沫星子汇成的风口浪尖上,却如同钻石一般无暇耀眼。他真的是把扯谈发挥成了一种艺术。傀儡之舞还真是个形象的比喻。他是一个看懂并能够利用游戏规则的人,是一个操控者。
弑夫六人组的监狱探戈更是让人大呼过瘾,舞蹈与杀戮,柔美与残忍的完美结合。很多独白的最后一句还把话反过来说,比如她不说“我刺了他十刀”,而说“他十次冲进我的刀”;不说“我下毒杀了他”,而说“他对毒药缺乏抵抗力”,笑果极佳。此外她们杀掉丈夫的原因,除了虐待,背叛,欺骗,还有单纯的看着碍眼(泡泡糖小姐),真是充满了极端女权主义倾向啊。
从这样一个荒诞的故事中,折射出了当时美国社会中法律与新闻界的问题。司法的腐败,新闻的虚假,舆论对司法的干涉等等。不只是20世纪初的美国,这些问题在当今的世界上也依然存在着。
我最有感触的是新闻的虚假。
在当时的芝加哥,社会混乱,经济萧条,人们的衰弱的神经需要强力的刺激。任何一点噱头都能成为关注的焦点,他们愿意在相信,追随与狂热忘记个人的困境与现实。因此比利成了舆论之神。因为他看穿了人性的弱点,就像柏拉图在《理想国》中的理论,大概是要维持一个社会的稳定只有让大多数人生活在一个弥天大谎之中,只有少数的精英分子了解这是个谎言。但他们仍要用这个谎言引导大众,直到愚昧的大众在追随中这个谎言的过程中使这个谎言成为现实。比利就是直到这个谎言的人,所以他成为了操纵者。如他所说,“没有什么好怕的。这就是一出马戏表演,一出完整的马戏。这些法庭审判,还有全世界,都是一场秀。”
是他卑鄙还是大众愚昧呢?愚昧和卑鄙是谁造就了谁呢?我觉得电影中的新闻虚假是当时不正常的社会经济状况以及浮躁的大众心态造成的。
而现在随着世界经济的飞速发展,包括传媒在内的一切事物与利益的紧密结合已经成为事实,网络时代的信息大爆炸又加剧了形势的复杂。我们得到的信息虽然不太可能完全是凭空捏造,却夹杂了经济政治文化社会心理各种因素的干扰多层加工,变得真假掺杂,不那么容易看明白了。新闻虚假不再是单纯的虚假,而是复杂化。我认为在这种情况下,人会很容易像两个方向发展。就像有句话所说“不愿思考的人,不是过于冷漠,就是过于笃定。”也就是他们要不就看着一场战争或灾难里几千万的死亡人数完全麻木毫无反应,要不就是人家一说应该抵制家乐福就跟着抵制去了,跟炮仗似的一点就着。在什么都不信与什么都信之间徘徊。这两种情况都不利于一个健康的公民精神的养成。然而现代人的心智在逐渐成熟,最终会能够驾驭我们自己制造的东西。网络提供更多假信息的同时也给一些其他无法公开的真相打开出路让它们更加透明。我们只需要更理智的观众,通过自己的知识和思考能力去分辨我们接触的信息,最终完全成为自己认知世界的主人。
6 ) 一流的歌舞剧视听语言 二流的心肠
首先要澄清的是,我清楚地意识到创作者呈现某个特定题材并不等于其认同此种价值观。但是此剧对一个具有现代性别意识的女性观众,的确是提供了被侵犯的观影体验的。
现代性别意识的缺乏
看到部分豆瓣评论竟称此片是女权主义的,无奈之余,只想首先抛出一个显而易见的逻辑来驳斥此种观点——创作者聚焦和呈现女性(或者是别的群体)不天然构成对该群体的直接关怀,故事怎么讲的依然很重要。
全片的视觉元素和内容叙事无处不在暗示编剧和导演缺乏现代女性性别意识。女性的着装和表演完全服从好莱坞主流的男权审美凝视,很物化女性的审美状态。对于女性角色的勾勒,如果说要有突破,可能对比的只能是那些女性完全是附属角色的作品——在那些作品里,女性是扁平无姓名的状态,连作恶的能力都没有,隐藏在社会主流之外的第二性。
芝加哥里的女性,仿佛是更有力量,敢于作恶的,女子监狱的题材的确是好莱坞主流里比较少关注的。但这种表面的虚掩一枪,在性别意识上与更倒退的那些片子其实大同小异,甚至此处的动机可以更恶劣——挟持弱势群体的故事以博人眼球。目的并非是要激发社会正向关注,而只是利用奇观效应博取观众的好奇心,落脚点依旧是自己的作品能否获得实际利益。
具体来说,片子里的两位女主角,依然是弱势和受害者群体,喜怒无常和过分的情绪化。我们当然可以争辩,喜怒无常和情绪化并非不可以是正面维度,但是大部分观众都可以明明白白产生对这种喜怒无常的负面体验,那么此种直觉式的反应留给观众的负面结果就不可以被忽视了。
反之,片中的男性主角大律师则一直以一种游刃有余自信的状态出现。的确,片子对其的塑造是有讽刺意味的。但男性居于主导地位的叙述也是明明白白传递出来的。
再次回到开篇抛出来的论点,创作者对这种现象的忠实呈现(的确,好莱坞是这么乌烟瘴气的),并非自证其对这种现象的认同,甚至有可能是出于想要批判的初衷。但是,恰恰是因为此种偏见和陈腐的性别观念如此顽固的植入了普罗大众的认知,真正有效的打破方式必须是更决裂式的。忠实的呈现,是不足以激发批判思维的,甚至容易被再次误读。
重述现实的讽刺式的批判在现代女性生存状态没有真正改善之前,很难成为行之有效的发声手段,话不说清楚的话,一些别有用心的人很有可能会说,她只是在欲拒还迎,是害羞吧。
此处,亦没有想要赶尽杀绝男性视角的意思,只是希望看到更多女性角度的凝视来丰富主流审美。或者说,无论哪个性别的创作者,都能够审视一下自己故事里女性的状态。
优秀的歌舞剧视听语言
抛开性别意识,放纵自己去欣赏的话,本片的歌舞剧视听语言的确是一流的,其中几段歌舞的形式(个人最喜欢的是六个女子在监狱的探戈和记者会提线木偶的两段)滴水不漏的宣告了形式可以如何反哺和支撑电影的内容意义。
所以最后又回到了那个老生常谈的问题,只能选一个的话,到底是要好心肠还是好才华呢?
可以翻来覆去的看。
Renée Zellweger惊艳死
Cell Block Tango六人探戈和提线木偶We Both Reached For The Gun两段歌舞实在太棒了!
03年在我还接触电影不多的时候,片中那些踢踏的节奏感,美轮美奂的场景转换,雀跃的爵士乐,第一次觉得歌舞片的魅力可以如此撩拨人心。那时候刚高中毕业,看这种片实属过于前卫了,就是那种看的人会面红耳赤、有点罪恶感,同时又坚定地认为这就是高级艺术的荣耀感,想给其他人分享又不敢,毕竟03年还没有豆瓣,那心情真是五味杂陈,百感交集。
大银幕看不断地引发各种生理反应【电影资料馆】
虚荣,浮华,财富,偷情,谋杀,情欲,大腿舞,各种浓妆艳抹,美国文化最庸俗物质的元素全部乱炖在一起了。眼花缭乱的歌舞剧效果,大俗中有一点小雅,“无法喜欢自己过的生活,无法过自己喜欢的生活”。凯瑟琳·泽塔-琼斯的戏份要再多点就好了...
十年了,仍旧没有歌舞片可以超越它。
A-MA-ZING这才是值得奥斯卡最佳影片的歌舞片(对我针对的就是lalaland)
2003年奥斯卡最佳影片(然则远不能与[钢琴家]相提并论)。影片根据百老汇同名音乐剧改编,是一部制作精良的歌舞片,兼具娱乐性与社会讽刺意义。剪辑精妙,歌舞与常规剧情交叉并行,不仅外化人物心理活动,还起到象征与补充诠释的作用。三位主角亲自完成所有歌舞场面,不容易。最爱木偶剧段落。(8.0/10)
凯瑟琳·泽塔琼丝实在好看。只是她很少拍如此压抑的戏。她的眼神始终犀利而不屑,望着那个在《冷山》里放肆大笑的蕾尼·齐薇格。她自始至终都在冷笑,冷眉冷对地嘲笑着自以为能掌控的命运。而蕾尼总是自顾自地纯真着,伪装到世故。她的金发雪肌我怎么看都比不上凯瑟琳的抖擞的黑短发,以及身体健美的她
娱乐至死的年代一切不过都是showbiz,讽刺法制、媒体、大众,罪犯成了人人追捧的明星。印象较深的段落:六个女犯的独白舞、律师操纵记者的傀儡舞、Renée的多重镜子独舞、东欧移民女的行刑舞(没有话语权就是死路一条)、审判之前的razzle-dazzle舞
属于聪明有余但无甚才气的那一类,歌舞部分除了里查基尔比较勉强外,基本把提线木偶似的爱乐之城秒成渣!奥斯卡赢了《钢琴家》也不是它的错,好莱坞体制内敢把讽刺做成这样的也没几部了,用浮华堆砌成腐朽的舞榭歌台,最后还是没能再走一步,索性像红楼梦那样散成一场大荒,多好
出乎意料地让我有些震撼的感觉。Catherine的演技远在Renée之上
看了这部电影之后才发现……《BJ单身日记》也没法当作励志电影看了!齐薇格根本就是一个尤物啊!!
非常美国,非常讽刺主义
看过的剧情最棒的歌舞片,那段拉线木偶戏很出彩,毕竟是奥斯卡最佳影片啊~~
浮华交接,满地昙花。第一部让我有生理反应的歌舞片。与犯罪片的结合很有看头,不脱离“舞台”的歌舞场面让人联想到《歌厅》。区别在于打破了鲍勃·福斯有意制造的割裂感,没有场景上的频繁辗转,呈现方式倾向于外化的精神臆想,加强了外在的紧密联系,但也消解了内在的互文快感。讽刺浅显,好在精彩。
看完《红磨坊》再看这个,立马对比出前者差距
过分的夸张反而容易产生不真实感,进而使苦心经营的讽刺效果大打折扣,幸好大量的平行交叉蒙太奇拯救了这部电影,在歌舞片的表现形式上可谓一大突破。个人认为本片当年之所以无限风光,很大程度上是学院对上届无视《红磨坊》的另类补偿,矫枉过正的结果便是诞生了又一部相对平庸的奥斯卡最佳影片。
lalaland真的差远了…… Renee很漂亮,舞台感不如Catherine Jones,每个角色都很出色